La fotografía encuentra su estética propia. Surge la fotografía directa con su capacidad de extraer más detalle de la realidad objetiva, apartándose de la estética subjetiva de la pintura (pictorialismo).

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Autodidacta desde los 16,  despues de estudiar un tiempo en el Illinois College of Photography,se muda a California en 1911 donde radica casi toda su vida. Trabaja aislado de las corrientes norteamericanas de fotografía y arte moderno que se estaban desarrollando más al este (Alfred Stieglitz, Edward Steichen, Paul Strand, Charles Sheeler, and Ralph Steiner). Mientras que los fotógrafos posteriores llegaron a ser ampliamente conocidos a través de libros y revistas, a mediados de la década de 1920 la buena reproducción fotomecánica era rara o insatisfactoria, por lo que la obra de otros fotógrafos no estaba fácilmente a su alcance. Las primeras monografías aparcieron recién en 1929 ( Carl Sandburg, Steichen the Photographer.)

Early 20s – del pictorialismo a la fotografía moderna: Margrethe Mather

A mediados de la treintena ya era un fotógrafo de retratos que trabajaba en Glendale, un suburbio de Los Ángeles. También participó activamente y con gran éxito en los concursos de los salones fotográficos conservadores, una red de clubes autosancionados que concedían cintas y medallas. Hasta principios de los años veinte, su obra fue una versión mejor construida de la habitual en estos salones: un trabajo de estilo pictorialista, en el que los fotógrafos imitaban la pintura suprimiendo detalles, manipulando las imágenes en el cuarto oscuro y representando temas pictóricos tradicionales.

MADUREZ TEMPRANA – México

Weston crea una potente versión de la fotografía moderna a partir de su propia imaginación y curiosidad voraz. EN 1922 conoce a Stieglitz en NY: En 1923 viaja a México con Tina Modotti donde se encuentra con los artistas de la cultura mexicana ( Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiro.)

Durante su estancia en México, Weston produjce las que son sus primeras imágenes radicalmente independientes (Nahui Olin, Guadalupe Marín de Rivera y Manuel Hernández Galván, todas de 1924), y obras igualmente minimalistas como Palma Cuernavaca y Excusado, ambas de 1925.

MADUREZ

En 1927 Weston regresó a California, donde continuó explorando las ideas pictóricas iniciadas en México en sus famosos primeros planos de conchas, vegetales, formas rocosas y desnudos semiabstractos. El hecho de que estos cuadros se basen en una estructura muy simple, la del objeto y el fondo, no disminuye su gran fuerza e importancia. Son autosuficientes en cuanto a diseño y alusiones. La serie de los pimientos de Weston es el ejemplo más conocido. El aislamiento del tema de cualquier referencia al mundo exterior y la agudeza sin fisuras de su descripción lo privan de escala y contexto y le permiten funcionar como metáfora del despliegue orgánico de la vida misma.

Fue durante este periodo (c. 1930-33) cuando Weston desarrolló su técnica madura, abandonando los papeles de textura suave y las lentas y lujosas gradaciones tonales por un vocabulario que era fundamentalmente el del fotógrafo industrial: nitidez total, una escala tonal completa y papeles de superficie lisa que registraran al máximo tanto el tono como la textura. Para algunos retratos y desnudos utilizó una cámara Graflex, que podía sujetar con las manos y que le permitía responder rápidamente a un sujeto en movimiento, pero para la mayor parte de su obra utilizó una cámara de visión directa de 8 × 10 pulgadas e imprimió sus negativos por contacto.

Grupo f64

En 1932, Weston se convirtió en miembro fundador del Grupo f.64, un grupo informal y efímero de fotógrafos puristas que incluía a Adams y Cunningham. Desde 1917 llevaba un «diario» en el que confiaba sus triunfos profesionales, sus crisis económicas, su relación con amigos y familiares, su impresionantemente exigente vida amorosa y, sobre todo, el progreso de su vida artística. Para el crítico y el estudiante, es importante señalar que en 1934 dejó de anotar regularmente en su diario, presumiblemente superando la necesidad de hacerlo una vez que estuvo listo para comenzar su obra más importante.

A los 46 años, en 1932, cofundó el Grupo f/64 de fotografía directa en California junto a Willard van Dyke, Ansel Adams e Imogen Cunningham y junto a ellos expuso en el San Francisco’s Young Museum. El nombre del grupo se debe al valor más pequeño del diafragma de las cámaras de aquella época con el que lograban imágenes con gran profundidad de campo. Las obras que creaban eran de una claridad imponente que acentuaban la maravilla y el misterio del mundo natural. El grupo tuvo una corta vida pero fue un trampolín para sus miembros.

ULTIMA ETAPA

Desde 1934 hasta 1948, su último año de trabajo, Weston continuó explorando sus temas favoritos: formas naturales, paisajes, desnudos y personas. Su evolución estuvo guiada por una fría inteligencia analítica que le permitió pasar conscientemente de problemas más sencillos a otros cada vez más complejos. La naturaleza de esta evolución artística quizá pueda apreciarse con mayor claridad en el género del paisaje. En 1922 Weston escribió que su estilo de fotografía «directa» no podía abordar con éxito el paisaje, «por la razón obvia de que la naturaleza no adulterada ni mejorada por el hombre es simplemente un caos». Sin embargo, en la primavera de 1929 comenzó a fotografiar Point Lobos, quizá el más duradero y fecundo de todos sus temas. Al principio «no intentó… ninguna vista general», sino que se centró únicamente en los detalles de las raíces y los troncos de los cipreses. Sin embargo, ampliando de nuevo sus puntos de vista, dos años más tarde en su «diario» rumiaba sobre «un paisaje abierto, o más bien un punto de vista que combina mi primer plano con la distancia; una forma que he estado viendo últimamente». A mediados de la década de 1930 sus paisajes incluían a menudo un horizonte, y describían el espacio profundo de un modo naturalista, sin sacrificar el rigor formal que había logrado anteriormente dentro de un espacio pictórico poco profundo.

La evolución de sus desnudos siguió un patrón de evolución comparable: a mediados de la década de 1930 empezaron a representar no a una mujer abstracta, sino a personas concretas, a menudo con sus rostros visibles, que existen en un entorno concreto en un momento determinado. Del mismo modo, los mejores de sus retratos son los que hizo de su propia familia a mediados de la década de 1940, cuando se acercaba, sin saberlo, al final de su vida productiva.Estos retratos son tan generosos en su aceptación del mundo contingente que podrían considerarse la apoteosis de la instantánea familiar, pero son inolvidables por la claridad de su visión y la flexibilidad de su técnica.

En 1937 Weston recibió la primera Beca Guggenheim concedida a un fotógrafo. La beca fue renovada al año siguiente, y el proyecto dio lugar al libro California and the West (1940), que incluía un excelente texto de la segunda esposa de Weston, Charis Wilson. En la década de 1940 se publicaron otros libros notables sobre la obra de Weston, entre ellos Fifty Photographs: Edward Weston (1947), resultado de una interesantísima selección de su obra realizada por el propio Weston, y el delgado pero muy influyente Edward Weston (1946, editado por Nancy Newhall), que acompañó a su gran exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Ni Weston ni sus amigos se dieron cuenta de que una ligera inseguridad de movimiento evidente en el momento de la exposición era un síntoma de la enfermedad de Parkinson. La enfermedad limitó rápidamente su movilidad, y realizó su última fotografía, en Point Lobos, en 1948, una década antes de su muerte.

Durante el periodo entre las dos guerras mundiales, la tradición vital de la fotografía estadounidense podría imaginarse como un eje, con la obra de Walker Evans en un extremo y la de Edward Weston en el otro. Mientras que Evans parecía hacer su arte a partir de simples hechos, seleccionados por una inteligencia superior y dispuestos en el orden más estricto, Weston lo hacía a partir de superficies táctiles y formas orgánicas y, sobre todo, del placer de la propia vista. Entre los herederos más destacados de Weston se encuentran Minor White, Aaron Siskind, Jan Groover y Ray Metzker.

Group f.64

American photography group

Grupo f.64, asociación informal de fotógrafos californianos que promovían un estilo de fotografía purista y de gran detalle. El grupo, formado en 1932, constituyó una revuelta contra el pictorialismo, la fotografía académica de enfoque suave que prevalecía entonces entre los artistas de la Costa Oeste.

El nombre del grupo procede del ajuste más pequeño de la apertura del diafragma de una cámara de gran formato que proporciona una resolución y una profundidad de campo especialmente buenas. Los 11 miembros originales del Grupo f.64 eran Ansel Adams, Imogen Cunningham, Edward Weston, Willard Van Dyke, Henry Swift, John Paul Edwards, Brett Weston, Consuelo Kanaga, Alma Lavenson, Sonya Noskowiak y Preston Holder.

Aunque los miembros del grupo representaban una amplia gama de temas en su trabajo, estaban unidos en su práctica de utilizar la cámara para registrar la vida tal como es, a través de una documentación «pura» no manipulada. Entre las obras asociadas al Grupo f.64 se incluyen las dramáticas imágenes de Adams del Parque Nacional de Yosemite, las fotografías de Edward Weston de frutas y verduras en primer plano y con gran detalle, así como de dunas de arena y desnudos, y los estudios de Cunningham de calas.

Sin embargo, en 1935, cuando el grupo se disolvió, sus ideas habían influido en la dirección de la fotografía y son especialmente evidentes en la obra de fotógrafos como Dorothea Lange y Walker Evans, que documentaron los efectos de la Gran Depresión en comunidades de todo Estados Unidos

Destreza técnica sin discursos narrativos